“Es ist nicht leicht zu akzeptieren, dass Leiden auch schön sein kann.” – Rainer Werner Fassbinder

Das New German Cinema entstand in den 1960er Jahren und setzte sich bis in die 80er Jahre fort. Es war eine künstlerische Antwort auf die Stagnation der Filmindustrie mit einer revolutionären Erklärung: „Das alte Kino ist tot. Wir glauben an das neue Kino. “ Beeinflusst von der Vision der französischen Neuen Welle, innovierten neuere Generationen von Filmemachern mit relativ weniger verfügbaren Mitteln. Ihre Experimente würden das filmische Medium für immer verändern.

Eine der führenden Figuren des neuen deutschen Kinos, Rainer Werner Fassbinder, sagte 1974 in einem Interview: „Ungefähr die Hälfte der frühen Filme waren [über] meine Entdeckungen im amerikanischen Kino; In gewisser Weise haben sie den Geist amerikanischer Filme in die Münchner Vororte übertragen. Die anderen waren im Allgemeinen überhaupt nicht. Es waren Untersuchungen zu deutschen Gegebenheiten: Arbeitsmigranten, die Unterdrückung eines bürgerlichen Büroangestellten, unsere eigene politische Situation als Filmemacher. “

Er fügte hinzu: “Ich sehe nicht viel von dem, worüber ich in anderen deutschen Regisseuren gesprochen habe. Sie sind etwas ganz anderes, mit anderen Möglichkeiten. Ich hatte die Gelegenheit, viel mehr zu lernen als die meisten anderen. Ich fühle eine Art Verwandtschaft mit Volker Schlondorff; er und ich haben eine ähnliche Einstellung zum Film und zum Leben. “

Als Teil unseres wöchentlichen Rampenlichts auf das Weltkino betrachten wir zehn wesentliche Filme aus der Bewegung des Neuen Deutschen Kinos, um die kreativen Kräfte hinter einer der einflussreichsten Bewegungen in der Geschichte des Kinos zu verstehen.

10 wesentliche Filme aus dem Neuen Deutschen Kino:

Nicht versöhnt (Jean-Marie Straub – 1965)

Not Reconciled basiert auf dem Roman Billiards at Half-past Nine von Heinrich Böll aus dem Jahr 1959 und ist eine faszinierende Untersuchung des Aufstiegs des Faschismus und der bevorstehenden moralischen Krise des Landes. Mehrere Geschichten sind durch den schwer fassbaren filmischen Faden verbunden, der die Qual der Geschichte in Momente der Brillanz übersetzt.

In einem Interview erinnerte sich der Filmemacher: „Alexander Kluge sagte zuvor, als wir mit Not Reconciled in Berlin auftraten, er sagte:‚ Sie behandeln Sprache wie ein Objekt. “Und das kannst du natürlich nicht. Sie erhalten diese Massen- und Kettenreaktionen von Schriftstellern. Sie können Sprache jedoch als Objekt betrachten und sie inhaltlich noch realistischer behandeln als diejenigen, die behaupten, Sprache nicht als Objekt zu behandeln. Sprache ist nicht nur ein Fahrzeug. Was uns außerdem interessiert, sind diese unterschiedlichen Spektren / Schichten in der Art der Sprache und der Stimmen. “

Der junge Törless (Volker Schlöndorff – 1966)

Dieser Film aus dem Jahr 1966 ist eine brillante Adaption von Robert Musils Roman und spielt zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Er zeigt das sadistische Verhalten von Schülern einer österreichischen Militärschule. Young Törless ist ein Meisterwerk des Erwachsenwerdens, das von homoerotischen Wünschen und existenziellen Frustrationen unterstrichen wird und in den Köpfen derer verankert bleibt, die den Film erleben.

Schlöndorff sagte: „Ich habe mich mit der Literatur sehr wohl gefühlt. Nehmen wir an, es entstand aus einer zufälligen Lektüre von Robert Musils [The Confusions of] YoungTörless, in der ich dachte, ich würde meine eigenen Jahre im französischen Internat irgendwie widerspiegeln. Es gibt immer einen Machtkampf in jeder Institution und insbesondere in Internaten, wenn man all diese starken jungen Männer zusammenbringt.

“Sie sind wie junge Hunde, die miteinander kämpfen. In gewissem Sinne sind es Initiationsriten. Und so fand ich diese sehr persönliche Erfahrung in Musil, während es gleichzeitig eine erstaunliche Parallele zu dem gab, was in Deutschland passiert war und wie die Nazis eine ganze Gesellschaft übernommen hatten. Aber ehrlich gesagt dachte ich, dass dies mein einziger Film sein würde, der auf Literatur basiert. “

Gestern Mädchen (Alexander Kluge – 1966)

Eine Erweiterung von Alexander Kluges Kurzgeschichte Anita G., Yesterday Girl, erzählt die Kämpfe eines ostdeutschen Einwanderers, dem es schwer fällt, sich an das Leben auf der anderen Seite der Mauer anzupassen. Der Film gewann vier deutsche Filmpreise sowie den Silbernen Löwen bei den Filmfestspielen von Venedig.

Kluge erklärte: „Der Titel Abschied von Gestern provoziert einen Widerspruch. Weil man sich gestern nie verabschieden kann. Wenn Sie es versuchen, kommen Sie bis morgen, um gestern noch einmal zu entdecken. Der ganze Film ist ein Widerspruch zu diesem Titel. “

Nicht der Homosexuelle ist pervers, sondern die Gesellschaft, in der er lebt (Rosa von Praunheim – 1971)

Rosa von Praunheims komplexer Camp-Film ist eines der Pionierwerke der LGBTQ + Community und ein wahrer Kultklassiker. Es folgt den Abenteuern eines jungen schwulen Mannes, der sich auf die Suche nach vollständiger sexueller Freiheit macht. Obwohl seine Rezeption umstritten war, gilt der Film als Auslöser für die moderne schwule Befreiungsbewegung in Deutschland.

Der Regisseur erklärte: „Nehmen Sie die Schwierigkeiten, die junge Menschen beim Herauskommen weiterhin haben. Besonders in der Pubertät wollen sie einfach dazu gehören und wie alle anderen sein. Es bleibt daher sehr schwierig, sich als „anders“ zu behaupten, insbesondere wenn Ihre Klassenkameraden aus einem Umfeld stammen, in dem Homophobie sehr dominant ist. Das ist ein großes Problem. “

Aguirre, der Zorn Gottes (Werner Herzog – 1972)

Werner Herzogs Magnum-Opus von 1972 wurde mit begrenzten Mitteln im Dschungel des Amazonas gedreht und ist ein episches historisches Drama, das eine eindringliche Untersuchung des Ehrgeizes und des Irrtums des Menschen durch die Legende von El Dorado in Gang setzt. Dieses berühmte Meisterwerk ist eines der bestimmenden Werke des Neuen Deutschen Kinos und dekonstruiert die Komplexität der menschlichen Verfassung.

Während er mit seinem Star Klaus Kinski über seine Auseinandersetzungen sprach, sagte Herzog: „Er hat alle seine Sachen in ein Schnellboot gepackt und wollte gerade gehen. Das würde natürlich den gesamten Film zerstören, und ich sagte ihm, dass ich mich vor Monaten irgendwie entschieden hatte, was die Grenze dessen sein würde, was akzeptabel sein könnte und was nicht. Und natürlich war der Film meiner Meinung nach wertvoller als seine oder meine privaten Gefühle und Ekel oder was auch immer.

„Und ich sagte zu ihm, wenn du das Set jetzt verlässt, wirst du die Kurve erreichen – die nächste Kurve des Flusses und ich werde dich erschießen – wird acht Kugeln durch deinen Kopf haben, und die letzte wird für mich sein . Der Bastard erkannte also irgendwie, dass dies kein Scherz mehr war. Ich hätte keine Sekunde gebraucht, um darüber nachzudenken. Und das spürte er. Und er schrie um Hilfe. Er schrie nach der Crew, um ihm zu helfen – ihm gegen diesen Verrückten zu helfen – und er meinte mich. Er schrie nach Polizei. Aber natürlich war die nächste Polizeistation 450 Meilen entfernt. Das Ergebnis war, dass er in den letzten 11 Drehtagen sehr fügsam war und wir den Film beendet haben. “

Ali: Angst frisst die Seele (Rainer Werner Fassbinder – 1974)

Dieser Film von 1974 eines der größten deutschen Filmemacher aller Zeiten ist ein brillanter Kommentar zur Fülle gesellschaftlicher Vorurteile. Dies und noch viel mehr geschieht, indem die Geschichte zweier Liebender erzählt wird, die durch die Trennung von Rasse und Alter getrennt sind und die Existenz von Unterdrückung in der modernen Gesellschaft in Frage stellen.

“Es gibt erhebliche Unterschiede zwischen meinen Filmen”, kommentierte Fassbinder. „Der Stilisierungsgrad wächst proportional zur Künstlichkeit des Themas. Effi Briest (1974) ist in diesem Sinne viel hermetischer als beispielsweise Fear Eats the Soul (1974). Das Thema ist teilweise von der Charakterisierung übernommen und hat daher auch mit den Charakteren zu tun. Die Einstellung der Filme zu den Charakteren ist sehr konsequent (heutzutage versuche ich, jedem eine sichtbare, verständliche Motivation zu geben), aber was daraus entsteht, hängt sehr stark vom Thema ab. “

Alice in den Städten (Wim Wenders – 1974)

Alice in the Cities basiert lose auf Peter Handkes Roman Long Farewell und ist die schöne erste Folge von Wenders berühmter Roadmovie-Trilogie. Der Film wird oft als Vorläufer von Paris, Texas, gesehen und folgt einem Schriftsteller, der das Sorgerecht für ein junges Mädchen übernimmt und beschließt, nach ihrer Großmutter zu suchen. Wenders untersucht Themen wie Fantasie, Realität und Familie in einem vorübergehenden Rahmen und konstruiert eine atemberaubende Vision der Menschheit.

Wenders sprach über das Roadmovie-Genre und sagte: “Ehrlich gesagt wusste ich nicht, dass das Genre existiert. Ich muss einige Filme gesehen haben, ich glaube, ich habe Detour (1945) gesehen, aber ich habe es nicht als Genre erkannt. Natürlich kannte ich viele Western, wenn es einen Vorläufer für diese Filme gab, war es der Western. Aber ich wusste nicht, dass Sie auf Reisen Filme machen können.

“Ich wusste nicht, dass man tatsächlich in ein Auto steigen und eine Geschichte beginnen kann, und die Reiseroute und die Geschichte würden gleich werden. Während wir Alice in den Städten gemacht haben, habe ich es herausgefunden. Ich fühlte mich wie ein Fisch im Wasser. Für diese Art des Filmemachens wurde ich geboren. “

Supermarkt (Roland Klick – 1974)

Roland Klicks Krimi von 1974 zeigt einen jungen Drifter, der Hilfe ablehnt und stattdessen ein Leben in Kriminalität führt. Während er für einen kleinen Verbrecher arbeitet und in einen Sexarbeiter verliebt ist, plant er einen bewaffneten Raubüberfall, um all seinen Problemen ein Ende zu setzen.

Klick erklärte: „Für mich ist Film ein wunderbares Rätsel. Kino ist der Ausdruck von Geist durch Materie. Sie filmen die materielle Welt: eine Wand, Menschen, ein Schiff im Hintergrund … und das schafft einen spirituellen Ausdruck. So ist es in den großen Filmen, die ich geliebt habe, wie Fellinis La Strada. Dort drückt sich ein wunderbarer Geist der Liebe und der Wunsch nach Erlösung durch das Filmen materieller Dinge aus – die Körper sprechen. “

Unter dem Bürgersteig liegt der Strand (Helma Sanders-Brahms – 1975)

Dieses wichtige Avantgarde-Feature eines talentierten Filmemachers aus dem Jahr 1975 ist eine existenzielle Untersuchung eines Paares, das nach den Studentenaufständen von 1968 in Deutschland Schwierigkeiten hat, mit seiner Bedeutungslosigkeit umzugehen. Auch nach all den Jahren bleibt dieser Kultklassiker ein bedeutender Film, der die politische Vision der feministischen Bewegung teilt.

„Kino“, sagte Helma Sanders-Brahms, „ist das Schönste, was sich die Leute ausgedacht haben, das Komplexste, das Beste von allen. Ein wirklich toller Film – alles ist drin. Alle Künste, die der Mensch in der Kulturgeschichte entwickelt hat, kommen hier zusammen. Und das möchte ich ausfüllen. Es ist ein Geschenk, entweder du hast es oder du hast es nicht. Ich kann nicht viele Dinge tun, die normale Menschen können. Aber wenn ich am Set bin, fühle ich eine enorme Sicherheit. “

Hitler: Ein Film aus Deutschland (Hans-Jürgen Syberberg – 1977)

Syberbergs Meisterwerk von 1977 ist ein siebenstündiger Film, der die Psychologie des berüchtigten Diktators gründlich analysiert und es schafft, den Hitler in uns zu entlarven. Dies ist eine der krönenden Errungenschaften des modernistischen Kinos und präsentiert eine surreale Vision des Faschismus, die von Richard Wagners Werk beeinflusst ist.

In einem Interview erklärte der Filmemacher: „Hitler war der größte Filmemacher aller Zeiten. Er führte den Zweiten Weltkrieg, ebenso wie der Nürnberger Parteitag für Leni Riefenstahls Triumph des Willens (1935), und er betrachtete die Anstürme des Krieges jeden Abend für sich, als würde König Ludwig allein eine Wagner-Oper besuchen.

„Es ist sehr interessant, dass die einzigen Objekte, die aus dem Dritten Reich stammen, Fragmente von Zelluloid sind. nichts anderes ist erhalten geblieben – nicht die Architektur von Albert Speer, nicht die erweiterten Grenzen des Deutschen Reiches, von denen Hitler träumte. Alles, was bleibt, ist die Zelluloid-Aufzeichnung von Hitlers Existenz und des Krieges. Ich spiele mit diesem Gedanken in Hitler: Ein Film aus Deutschland. Vielleicht ist alles ein grotesker Witz, aber unter einem solchen Witz steckt eine schreckliche Wahrheit. “

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